주말에 용아맥 헤일메리를 2번 보고 리뷰 유튜브만 40편은 본거 같습니다 ㅋ 

영화속 비하인드나 디테일들 100개를 정리해봤습니다. 

당연히 스포가 있어서, 영화를 보고 읽으시길 권합니다. 

1. 기획·캐스팅·연출

1. 영화 《프로젝트 헤일메리》는 약 2억 4,800만 달러가 투입된 초대형 프로젝트로, 아마존 MGM이 자사 오리지널 SF 블록버스터에 얼마나 큰 기대를 걸었는지를 보여주는 대표 사례입니다.

2. 연출을 맡은 필 로드와 크리스토퍼 밀러는 이 작품을 단순한 생존 스릴러가 아니라, 외로움이 우정으로 바뀌는 이야기로 규정하며 연출 방향을 잡았습니다.

3. 각본은 《마션》 각색을 맡았던 드류 고다드가 담당했으며, 제작진이 다른 각본가로 대체하지 않고 그를 기다렸다는 후일담은 이 프로젝트가 얼마나 각본가 중심으로 굴러갔는지를 보여줍니다.

4. 라이언 고슬링은 원작이 완전히 세상에 알려지기 전 단계에서부터 이 프로젝트에 강하게 매료되었고, 직접 판권 확보에 나설 정도로 초반부터 적극적으로 움직였습니다.

5. 고슬링은 단순히 출연만 한 배우가 아니라 제작자로도 이름을 올리면서, 영화의 초기 방향성과 분위기 형성에 실질적인 영향을 준 핵심 인물로 기능했습니다.

6. 배우 Ryan Gosling과 주인공 Ryland Grace의 이니셜이 모두 RG라는 점은 제작진과 원작자가 함께 즐긴 메타적 포인트로 자주 언급됩니다.

7. 앤디 위어는 이 우연을 두고 고슬링에게 “그냥 본인 이니셜 커프스링크를 차고 오면 되겠다”는 농담을 건넸는데, 이 말은 캐릭터와 배우 이미지가 그만큼 자연스럽게 맞아떨어졌다는 뜻이기도 합니다.

8. 그레이스가 안경을 쓰는 설정은 원래부터 고정된 것이 아니라, 의상 테스트 현장에서 고슬링의 딸이 “아빠가 더 똑똑해 보인다”고 말한 뒤 채택된 디테일입니다.

9. 제작진은 그레이스를 처음부터 능숙한 우주 영웅으로 그리기보다, 겁이 많고 서툴지만 결국 책임을 선택하는 사람으로 보이게 만들기 위해 캐릭터 톤을 세심하게 조정했습니다.

10. 이 프로젝트는 MGM 시절부터 추진되던 작품이었고, 이후 스튜디오 체제가 바뀐 뒤에도 중단되지 않고 이어졌다는 점에서 산업적으로도 꽤 상징적인 사례입니다.

11. 앤디 위어는 이번 영화에서 단순히 원작을 제공한 작가가 아니라 프로듀서로 참여해 캐스팅, 촬영, 후반 작업까지 가까이 지켜본 것으로 알려져 있습니다.

12. 위어는 원작을 쓸 때부터 영화화를 염두에 둔 것은 아니라고 했지만, 결과적으로는 과학적 퍼즐과 캐릭터 관계가 분명한 구조 덕분에 영화적 변환이 가능한 작품이 되었습니다.

13. 필 로드와 크리스토퍼 밀러는 이 영화를 “우주를 배경으로 한 버디 무비”라고 반복해서 설명했는데, 이는 이 작품의 정체성이 재난극보다 관계극에 가깝다는 점을 분명히 보여줍니다.

14. 그래서 예고편도 로키의 존재를 끝까지 숨기기보다, 오히려 이 작품이 ‘외계 생명체와의 우정’이라는 핵심 매력을 가진 영화라는 점을 먼저 드러내는 방향으로 설계되었습니다.

15. 초기 홍보부터 이 작품이 “반드시 큰 화면에서 봐야 하는 영화”처럼 포지셔닝된 것은, 이야기뿐 아니라 체험형 블록버스터로 소비되기를 바랐던 제작진의 의도가 강했기 때문입니다.

2. 촬영·포맷·세트·VFX

16. 《프로젝트 헤일메리》는 IMAX 1.43:1 화면비를 강하게 염두에 두고 설계된 작품으로, 감독들은 처음부터 이 영화가 세로로 크게 열리는 화면에서 가장 잘 작동하길 원했습니다.

17. 다만 팬들 사이에서 널리 퍼진 “IMAX 1.43 화면이 정확히 117분이다”라는 수치는 현재 공개된 공식 자료만으로는 확정된 정보로 보기 어렵습니다.

18. 촬영에는 ARRI ALEXA 65와 커스텀 아나모픽 시스템이 사용되었고, 특히 IMAX의 높이를 살리기 위해 렌즈를 옆으로 장착하는 독특한 세팅이 개발되었습니다.

19. 이른바 세로-스퀴즈 아나모픽 방식은 보통의 와이드 화면이 아니라 IMAX의 수직 공간감을 극대화하기 위해 고안된 해법이었고, 그만큼 이번 영화의 포맷 전략이 집요했다는 뜻이기도 합니다.

20. 함선 세트는 촬영 전에 가상 공간에서 먼저 설계되고 렌즈 테스트까지 거쳐 치수가 확정되었기 때문에, 배우 동선과 카메라 이동이 애초부터 하나의 물리 시스템처럼 맞물리도록 만들어졌습니다.

21. 헤일메리호 내부는 매끈하고 애플 제품 같은 미래 공간이 아니라, 국제우주정거장처럼 배선과 장비가 노출된 현실적인 기계 공간을 목표로 디자인되었습니다.

22. LED 월을 적극 활용한 이유는 단순히 배경을 예쁘게 합성하기 위해서가 아니라, 우주선 외부 광원이 배우 얼굴과 세트 표면에 실제로 반사되도록 만들기 위해서였습니다.

23. 덕분에 이 영화의 우주선 내부는 “나중에 배경을 덧입힌 화면”보다, 현장에서 빛과 반사가 이미 계산된 공간처럼 느껴지는 질감을 갖게 됐습니다.

24. “그린스크린을 한 번도 쓰지 않았다”는 말은 엄밀히는 블루·그린 크로마키 배경을 피했다는 뜻에 가깝고, CG나 시각효과 자체를 거의 안 썼다는 의미는 아닙니다.

25. 실제로 공개된 기술 자료에 따르면 영화 전체에는 2천 컷이 넘는 VFX 샷이 들어갔고, 우주 공간과 외부 함선 표현은 대규모 디지털 작업으로 완성되었습니다.

26. Framestore만 해도 1,100컷 안팎의 VFX를 담당했기 때문에, 이 영화는 ‘실물 촬영 중심’인 동시에 ‘고밀도 시각효과 영화’라는 두 특징을 함께 갖고 있다고 보는 편이 정확합니다.

27. ILM 역시 주요 VFX 벤더로 참여해 외부 우주 환경과 대형 스케일 장면을 보강했으며, 결과적으로 이 영화는 여러 최고급 기술 회사가 나눠 만든 협업형 블록버스터가 되었습니다.

28. 무중력과 인공중력 장면에는 실제 스핀 링 구조물이 활용되었는데, 배우를 회전 구조물에 태워 물리적으로 버티게 만드는 방식 덕분에 몸의 무게 중심 변화가 더 설득력 있게 보입니다.

29. 우주 장면과 지구 회상 장면은 화면비만 다르게 만든 것이 아니라, 질감과 그레인까지 다르게 설계해 관객이 무의식적으로 두 세계를 다른 감각으로 받아들이도록 했습니다.

30. 디지털 촬영 이미지를 다시 필름으로 출력해 질감을 입히는 ‘필름아웃’ 과정도 사용되었는데, 이는 화면을 지나치게 차갑게 만들지 않고 약간의 온기와 입자를 남기기 위한 선택이었습니다.

3. 조명·현장 연기·즉흥 비하인드

31. 촬영감독 그레이그 프레이저는 우주선 내부가 너무 어둡고 삭막해 보이지 않도록, 각 공간의 기능에 따라 조명 모드와 색을 달리 설계했다고 설명했습니다.

32. 그래서 캡슐이나 콕핏 같은 공간은 같은 장소라도 아침 루틴, 청소, 의료, 경고 상황에 따라 조명 색이 달라지며, 관객은 이를 통해 감정과 기능을 동시에 읽게 됩니다.

33. 감독들은 주연이 영화 대부분을 혼자 이끌어야 했기 때문에, 촬영 현장에는 가능한 한 고슬링이 반응할 수 있는 ‘상대역’을 많이 두려고 했다고 말했습니다.

34. 간호 로봇, 함선 컴퓨터, 퍼펫, 심지어 작은 소품까지도 단순 장식이 아니라 배우의 고립감을 줄이고 리액션을 받아주는 장치로 활용되었습니다.

35. 로이터 보도에 따르면 고슬링은 일부 장면에서 이어피스를 통해 반응과 지시를 받으며 연기했는데, 이는 장시간의 솔로 연기가 지나치게 기계적이 되는 것을 막기 위한 방법이었습니다.

36. 현장 후일담 중 가장 유명한 것은 ‘Moppy Ringwald’라는 걸레 친구인데, 제작진이 고슬링의 외로움을 달래주기 위해 안경과 옷까지 입힌 소품 친구를 만들어줬다는 이야기입니다.

37. 이 걸레 친구 에피소드는 단순 장난처럼 들리지만, 실제로는 배우의 심리적 긴장을 풀고 촬영 분위기를 부드럽게 유지하려는 제작진의 즉흥적 배려였다는 점에서 의미가 큽니다.

38. 고슬링의 딸들은 현장에서 이어피스로 로키의 즉흥 대사를 넣어 주기도 했고, 감독은 이런 장난스러운 반응이 배우의 자연스러운 표정과 타이밍을 끌어내는 데 도움이 됐다고 말했습니다.

39. “My hand is up”처럼 교사 같은 느낌이 살아 있는 일부 대사는 고슬링의 애드립으로 알려져 있으며, 그레이스의 직업성과 인간적인 면모를 한순간에 드러내는 대사로 기능합니다.

40. 스트라트가 선상 파티에서 노래하는 장면은 원래 대본에 없었는데, 현장에서 산드라 휠러가 흥얼거리던 것을 보고 고슬링이 아이디어를 보태면서 장면이 확장되었다고 전해집니다.

4. 음악·홍보·배급

41. 그 노래로 해리 스타일스의 ‘Sign of the Times’가 선택된 것은, 세계가 무너지는 분위기와 인물들의 이상한 평온함을 동시에 담을 수 있는 곡이었기 때문으로 받아들여집니다.

42. 영화 음악은 다니엘 펨버턴이 맡았고, 제작진은 이를 “지구 전체가 주인공을 응원하는 믹스테이프”처럼 느껴지게 만들고 싶었다고 설명했습니다.

43. 펨버턴은 전통적인 오케스트라만으로 가지 않고 다양한 문화권의 특이한 악기와 소년 합창단의 질감을 섞어, 우주영화인데도 이상하게 인간적인 정서를 남기는 방향으로 접근했습니다.

44. 한국 제작기 보도에는 그가 스티브 라이히식 반복 구조와 생활 소리의 리듬을 참고했다는 설명도 있어, 음악 자체가 과학적 리듬과 감정의 맥박을 함께 품고 있음을 보여줍니다.

45. 공개된 스코어 트랙 제목에는 ‘Centrifuge’나 ‘Petrova Line’처럼 작품 속 과학 개념이 직접 반영되어 있어, OST만 봐도 세계관 키워드가 자연스럽게 드러납니다.

46. 아마존은 프라임 회원을 대상으로 개봉 전 프리미엄 포맷 조기 상영을 진행했는데, 이는 작품에 대한 자신감과 포맷 마케팅을 동시에 드러낸 행사였습니다.

47. 홍보 과정에서는 IMAX, Dolby, 4DX, 70mm, ScreenX 등 여러 관람 포맷이 전면에 내세워졌고, 감독들이 직접 각 포맷을 체험하며 설명하는 영상까지 배포됐습니다.

48. 아마존은 영화 개봉에 맞춰 한정 Kindle 커버와 Echo Pop 같은 연동 굿즈까지 판매하며, 이 작품을 단순 영화가 아니라 플랫폼 이벤트처럼 확장해 마케팅했습니다.

5. 로키 제작 비하인드

49. 로키는 흔히 ‘실물 애니메트로닉스 외계인’으로 알려져 있지만, 공식 기술 자료 기준으로는 퍼펫과 CG가 결합된 하이브리드 캐릭터라고 보는 것이 가장 정확합니다.

50. 그럼에도 중요한 점은 현장에 실제 퍼펫이 존재했다는 사실인데, 덕분에 배우는 빈 공간이나 테니스공이 아니라 실제 부피와 타이밍을 가진 존재와 연기할 수 있었습니다.

51. 로키 퍼펫을 움직이기 위해서는 5명의 전문 조종사가 필요했고, 이 팀이 현장에서 ‘로키티어’라고 불렸다는 점은 이 캐릭터가 얼마나 복합적인 퍼포먼스의 결과물인지를 보여줍니다.

52. 제임스 오티즈는 로키의 움직임과 현장 목소리를 함께 담당한 인형극 배우로, 고슬링과의 호흡을 통해 캐릭터의 감정을 상당 부분 실시간으로 만들어냈습니다.

53. 초기에는 후반 작업에서 유명 배우 목소리로 재더빙하는 선택지도 있었지만, 현장 케미가 워낙 좋았기 때문에 오티즈의 퍼포먼스를 최대한 살리는 방향이 선택되었습니다.

54. 퍼펫 조종자 선발에는 단순 기술 테스트만이 아니라 배우와의 케미를 확인하는 ‘케미스트리 리드’까지 포함되었다고 알려져, 로키가 사실상 공동 주연처럼 다뤄졌음을 알 수 있습니다.

55. 감독들은 로키가 늘 현장에 있어야 고슬링의 외로움이 줄고 리액션도 살아난다고 판단했기 때문에, 가능한 한 실물 존재감을 유지하는 촬영 방식을 택했습니다.

56. 이런 선택 덕분에 로키는 단순히 시각적으로 신기한 외계인이 아니라, 상대 배우가 감정적으로 실제 반응을 줄 수 있는 ‘연기 상대’로 완성되었습니다.

57. 일부 보도에 따르면 메릴 스트립이 로키 관련 음성의 일부에 무크레딧 카메오로 참여했고, 이는 제작진 인연에서 나온 깜짝 요소로 알려졌습니다.

6. 로키·에리디언 종족 설정

58. 에리디언의 언어는 인간처럼 단일 음성을 중심으로 한 말이 아니라, 여러 음이 동시에 쌓이는 화음 구조로 되어 있어 처음부터 완전히 다른 지성체라는 인상을 줍니다.

59. 이 화음 언어를 인간 기계가 번역하는 원리는 여러 주파수를 분해해 의미를 재구성하는 방식으로 설명되며, 작품 속에서는 푸리에 변환적 사고가 그 근거로 쓰입니다.

60. 로키가 감정을 표현할 때 단어를 세 번 반복하는 말버릇은 단순 귀여운 특징이 아니라, 언어 체계와 정서 표현 방식이 인간과 다르다는 사실을 부드럽게 보여주는 장치입니다.

61. 로키는 다리가 다섯 개인 존재지만 몸통까지 합쳐 여섯 개의 기준점으로 세상을 인지하기 때문에, 자연스럽게 인간의 10진법이 아니라 6진법 문명을 이룬 것으로 설정됩니다.

62. 에리디언은 빛이 거의 도달하지 않는 환경에서 진화했기 때문에 눈이 없고, 대신 반향 위치 측정에 가까운 음파 감각으로 주변을 파악합니다.

63. 이 감각은 단순히 ‘어둠 속에서도 본다’는 수준이 아니라, 사물의 구조를 입체적으로 읽어내는 방향으로 설정되어 있어 인간의 시각 중심 인지와 완전히 다른 세계관을 형성합니다.

64. 에리디언의 모성 환경은 지구보다 훨씬 높은 압력과 고온으로 설정되어 있어, 인간 기준으로는 지옥 같은 행성이 그들에겐 문명의 출발점이라는 점이 흥미로운 대비를 만듭니다.

65. 그들의 대기가 워낙 두껍다 보니 우주 방사선이 자연스럽게 차단되었고, 그 결과 에리디언은 방사능 자체를 일상적 과학 개념으로 발전시키지 못했다는 설정이 붙습니다.

66. 이 무지는 우주 탐사를 시작했을 때 치명적인 약점이 되었고, 로키와 함께했던 동료들이 방사선 문제로 쓰러졌다는 배경은 캐릭터의 비극성을 크게 강화합니다.

67. 로키만 살아남은 이유가 아스트로파지 연료 탱크 근처에서 일하던 엔지니어였기 때문이라는 설정은, 우연과 과학을 절묘하게 겹쳐 놓은 하드 SF식 아이러니입니다.

68. 에리디언은 인간보다 훨씬 장수하는 종족이기 때문에 시간 감각 자체가 다르고, 로키가 오랜 세월 홀로 연구를 지속할 수 있었던 것도 이런 긴 생애 주기와 연결됩니다.

69. 잠들면 의식이 거의 마비된 듯 무방비해지기 때문에 누군가 곁을 지켜줘야 안심하고 잠드는 수면 문화가 있다는 점은, 에리디언 사회의 생활 규범을 엿보게 하는 독특한 설정입니다.

70. 식사나 배설을 남에게 보이는 것을 수치스럽게 여긴다는 문화 설정은 인간과 전혀 다른 예절 체계를 보여주며, 영화에서는 이를 버디 코미디의 정서로 유연하게 바꾸어 사용했습니다.

7. 에리디언 생물학·문명 논리

71. 에리디언의 혈액이 수은 기반이고 골격이 벌집 모양의 합금 구조라는 설정은, 이 종족이 단순히 ‘거미처럼 생긴 외계인’이 아니라 인간과 완전히 다른 생물학적 기반을 지닌 존재임을 강조합니다.

72. 이들이 뛰어난 공학 문명을 만들었으면서도 상대성 이론을 발견하지 못했다는 설정은, 문명의 발전이 인간과 꼭 같은 순서로 이루어질 필요는 없다는 SF적 상상력을 잘 보여줍니다.

73. 작품은 그 이유를 ‘빛을 직접 경험하지 못해 진공 속에서 일정하게 움직이는 절대 속도를 발견하지 못했다’는 식으로 설명하며, 설정을 하나의 세계관 논리로 설득합니다.

74. 로키가 연료를 예상보다 많이 싣고 왔다가 그것이 다른 존재를 살리는 자원이 된다는 아이디어도, 결국 이 상대성 이론 부재 설정에서 파생된 결과라는 점이 흥미롭습니다.

75. 로키의 파트너 이름이 에이드리언으로 설정되어 있다는 작은 디테일은, 로키를 단순한 천재 엔지니어가 아니라 사랑과 상실을 가진 존재로 느끼게 만드는 정서적 장치입니다.

8. 앤디 위어·NASA·과학 자문

76. 앤디 위어는 원래 프로그래머 출신이며, 블리자드에서 《워크래프트 2》 개발에 참여했던 경력이 있어 그의 SF가 공학자 같은 감각을 지니게 된 배경으로 자주 거론됩니다.

77. 그는 소설가가 되기 전 만화가를 꿈꿨고, 이야기의 이미지적 상징성과 리듬감이 강한 것도 이런 이력과 무관하지 않다는 해석이 있습니다.

78. 위어는 아판타시아 성향 때문에 머릿속에 선명한 시각 이미지를 떠올리는 편이 아니라고 밝혔는데, 그래서 로키 역시 구체적 형태보다 ‘개념 덩어리’로 먼저 상상했다고 합니다.

79. 영화 속 실제 로키를 보고 “아, 로키가 저렇게 생겼구나”라고 반응한 일화는, 원작자의 상상 방식이 형태보다 구조와 논리에 가까웠음을 잘 보여줍니다.

80. 아이러니하게도 그는 비행 공포증이 심한 편이라, 직접 우주에 가고 싶은 사람이 아니라 절대 가고 싶지 않은 사람이 우주 소설을 썼다는 점이 자주 화제가 됩니다.

81. 스트라트 같은 강권적 관리자 캐릭터와 일부 설정은 위어가 예전에 포기한 다른 소설 프로젝트에서 재활용한 아이디어라는 점도 알려져 있습니다.

82. NASA는 이번 영화 제작 과정에서 과학 질문에 답하고 전반적인 가이던스를 제공했다고 공식적으로 밝혔으며, 단순 홍보 협업이 아니라 실제 자문 단계가 있었음을 기록했습니다.

83. NASA는 우주비행사 Kjell Lindgren과 배우들 사이의 대면 자문이 있었다고 밝혔는데, 이는 우주 공간에서의 몸 사용법과 생활감을 현실적으로 조정하기 위한 과정이었습니다.

84. NASA는 영화 속 NASA 로고 사용에 필요한 가이드와 클리어런스까지 제공해, 기관 표기 같은 디테일까지 공식 기준에 맞추도록 도왔습니다.

85. 개봉 연계로 JPL에서 관련 패널 행사가 열렸고 NASA가 이를 공식 기록으로 남긴 점은, 이 작품이 단순한 오락영화를 넘어 과학 커뮤니케이션의 도구처럼도 다뤄졌음을 보여줍니다.

9. 과학·수학·공학 디테일

86. 제목 ‘Hail Mary’는 미식축구에서 경기 막판 기적을 바라고 던지는 거의 도박에 가까운 롱패스를 뜻하기 때문에, 프로젝트명 자체가 이미 절박한 마지막 수단이라는 의미를 품고 있습니다.

87. 여기에 주인공 이름 Grace가 겹치면서 ‘Hail Mary, full of Grace’를 떠올리게 되는 언어유희가 생기고, 작품 전체에 구원과 은총의 뉘앙스를 자연스럽게 덧입힙니다.

88. 아스트로파지는 E=mc²를 생물학적으로 구현한 것처럼 설정된 존재로, 생명체가 질량-에너지 변환을 극단적으로 활용한다는 발상 자체가 이 작품의 핵심 SF 장치입니다.

89. 아스트로파지 1g이 히로시마 원폭급 에너지에 맞먹는다는 설명은 숫자보다도, 이 생물이 얼마나 비현실적으로 효율적인 연료인지를 한 번에 이해시키는 기능을 합니다.

90. 항상 96.415℃를 유지한다는 설정은 단순한 멋진 숫자가 아니라, 이 생물이 물과 관련된 물리적 한계 안에서 작동한다는 과학적 힌트를 담은 디테일입니다.

91. 그레이스가 실험에 아르곤 가스를 사용하는 이유는 반응성이 거의 없는 비활성 기체이기 때문인데, 이런 선택은 작품 전반의 과학적 설득력을 높이는 작은 포인트입니다.

92. 외계 지성체와 처음 교감할 때 언어보다 수학과 기하학을 먼저 사용하는 방식은, 인간 언어는 달라도 수학적 규칙성은 보편적일 수 있다는 하드 SF 전통을 계승한 장면입니다.

93. 우주선 엔진 수를 1009개로 맞춘 설정 역시 1009가 가장 작은 네 자리 소수라는 점을 이용해, “우리는 수학을 아는 문명이다”라는 신호를 보내려는 의도로 설명됩니다.

94. 무인 탐사정의 이름을 존, 폴, 조지, 링고로 붙인 것은 비틀스 오마주로, 극한 과학 이야기 속에도 인간적인 유머와 대중문화 감각을 심는 방식이라 할 수 있습니다.

95. 타우메바를 해결책으로 사용하는 구조는 재난을 더 큰 무기로 해결하는 대신 생태계 내부의 포식자-피식자 관계로 풀어낸다는 점에서 꽤 생물학적인 SF 발상입니다.

96. 타우메바가 질소에 취약하다는 설정은 지구와 에리디언 환경 차이를 동시에 활용한 장치라서, 과학 퍼즐이 단순 암기형 설정이 아니라 환경 차이의 드라마처럼 작동하게 만듭니다.

97. 타우메바를 질소에 적응시키기 위해 밀폐 환경에서 세대를 반복하며 인위적으로 진화시키는 과정은, 진화 압력을 실험실 규모로 다루는 하드 SF적 상상력의 대표 사례입니다.

98. 헤일메리호의 인공중력은 두 선체를 케이블로 연결해 회전시키는 원심력 원리로 구현되는데, 이는 ‘우주니까 그냥 중력’이라는 편의를 쓰지 않고 물리적 이유를 끝까지 챙긴 결과입니다.

99. 작품이 굳이 인공중력을 만드는 이유도 무중력 전용 장비를 새로 개발할 시간이 없어서, 지상에서 검증된 실험 장비를 우주에서도 그대로 쓰기 위해서라는 설명이 붙습니다.

100. 결국 《프로젝트 헤일메리》의 가장 인상적인 디테일은, 기적 같은 우주 우정 이야기를 실제 공학, 생물학, 언어 설계, 촬영 기술, 현장 퍼포먼스 위에 촘촘히 쌓아 올렸다는 점에 있습니다.

헤일메리 앓이 중입니다. 

책은 아직 안읽었는데, 용아맥 취소표 줍줍하면서 보다가 나중에 읽어보려구요